domingo, 30 de marzo de 2014

Renacimiento y cine

Bocaccio 70
Etimológicamente, la palabra RENACIMIENTO se compone del prefijo latino “re”(reiteración, de nuevo, vuelta atrás) y la raíz del verbo latino “nasci” (nacer). Como hubiéramos podido adivinar fácilmente sin recurrir a diccionario alguno; “RENACIMIENTO”  implica la acción de renacer, de resurgir, de volver al punto de partida para volver a empezar nuevamente.
El Renacimiento en tanto período histórico, marca la ruptura definitiva de la Edad Media para dar paso a la Modernidad. Es el pasaje de la era de los señoríos feudales, los caballeros andantes que no andaban, los campesinos, los siervos de la gleba, las andanzas y matanzas en el nombre de los dioses,  los bárbaros y la Peste Negra; a la era de los descubrimientos,  de las conquistas de ultramar, del hallazgo de Nuevos Mundos que antes de figurar en el mapa se pronunciaban de otra manera, es tiempo de revolución, es tiempo de ruptura, de vomitar dioses y engendrar monstruos, de crear arte para devenirse hombre, es tiempo de razón y edad del capital.
Como no podía ser de otra manera el cine, que sabe captarlo todo a través de otros ojos que después se vuelven nuestros, también se hizo un lugar para que descansen los genios que despiertos estallaron en mil almas, deviniendo en los colores del arte, que no moriría jamás.
Las siguientes son solo algunas muestras de que el renacimiento no fue solo una época de nuestra historia, por el contrario, sus alcances nos siguen hasta hoy en el resurgir nuestro de cada día.
Filmografía acerca del Renacimiento: (Ver  el especial de CRAC del RENACIMIENTO! http://www.cracmagazine.com.ar/)
ANONYMOUS (2011) – Reino Unido:
(Dirección: Roland Emmerich Protagonistas: Rhys Ifans, Vanessa Redgrave, Joely Richardson, David Thewlis, Xavier Samuel)  
“Anonymous”  ilustra el interrogante que Twain, Freud, Dickens y James se hicieran: ¿Quién será el autor de las obras atribuidas a William Shakespeare? ¿Es ese simple mortal la pluma virtuosa que hasta en sueños elude el eco de los profanos senderos de la Inglaterra de Isabel I? Emmerich se luce detrás de cámara en esta película que cuenta  con una brillante actuación de Rhys Ifans (“Radio Encubierta”, “Mr. Nobody”) en el papel de Lord Essex.
Premios: 2011: Oscars: Nominada a Mejor vestuario.
TIRANTE EL BLANCO (2006) – España, Italia, Reino Unido:
(Dirección: Vicente Aranda Protagonistas: Victoria Abril, Ingrid Rubio, Rafael Amargo, Jane Usher, Valentina Burgueños, Giancarlo Gianinni, )
Tirante el Blanco
“Tirante El Blanco” es un caballero medieval que recibe un encargo del Emperador de Bizancio, para luchar contra los turcos que están asediando el Imperio. En su empresa es seducido por los encantos de las mujeres de Oriente, y por las diferencias culturales en temas hasta ese momento tabúes para la Europa de Tirante. La película retrata alguno de los efectos del pasaje de la Edad Media a la Edad Moderna, e ilustra ciertos aspectos del Renacimiento que nos convocara, pero es tibio intento de sostener el argumento histórico durante todo el film. Tiene grandes actores, como Giancarlo Gianinni en el papel del Emperador y muchos guiños almodovarescos, pero no deja de ser uno de esos filmes para ver un día de lluvia.

LOS BORGIA (2006) – España:
(Dirección: Antonio Hernández Protagonistas: Lluis Homar, Sergio Peris Mencheta, Marìa Valverde, Paz Vega)
Rodrigo Borgia, es elegido Papa, y sueña con ampliar los territorios del Vaticano. Alejandro VI como es nombrado, tiene tres hijos, a quienes utilizará estratégicamente para alcanzar sus planes Lucrecia, Juan y Cèsar, son así víctimas y cómplices de la avaricia de un hombre que lo daría todo por el poder. La película ilustra la historia de una de las familias más controversiales del Renacimiento, y es una invitación a cuestionar la institución siniestra de la Iglesia Católica, encarnada por un Papa (Lluis Homar) que parece un capo mafia.
Particularmente prefiero la serie (2011); “The Borgias” dirigida por Neil Jordan y protagonizada por Jeremy Irons; François Arnaud, Holliday Grainger, Colm Feore, entre otros., con la excelente presencia de Sir Irons  que es durante toda la serie, detentor del poder del amor/odio de la audiencia.
Premios (serie): 2012: Emmy: 4 nominaciones, incluyendo mejor diseño de vestuario
2011: 2 Emmys: vestuario y música de créditos. 6 nominaciones, 2011: Globo de Oro: Nominada a Mejor actor en serie dramática (Jeremy Irons)

NOSTRADAMUS  (1993)- Reino Unido:
”Nostradamus” es un film biográfico, que retrata el ocaso de un visionario que alcanzó a vislumbrar el futuro que se le tornaría odisea. Es la historia de aquel médico judío de origen francés que se adelantara a sucesos que trascienden a la humanidad, como la Primera y la Segunda Guerra Mundial y el aterrizaje del hombre en la Luna. La atmòsfera del filme hace el espectador aterrice en la época donde será transportado a la vorágine que se sostiene con tensión durante la cinta.
EL TORMENTO Y EL EXTASIS (1965) – Estados Unidos:
Una joya del cine hollywoodense de los años dorados, con un Miguel Angel interpretado por Charlton Heston. La película se basa en un clásico de la literatura de Irving Stone, y narra el enfrentamiento entre Miguel Angel y el Papa ante el rechazo del artista en el encargo por pintar la capilla Sixtina. Remarcables los diálogos y el guiòn, que sustentan una gran historia de ficción que sostiene una perenne realidad, la de la genialidad de Miguel Angel.
Premios: 1965: 5 Nominaciones al Oscar: Dirección, Artística, Color, vestuario, fotografía, banda de sonido, sonido, Globos de Oro: Nominada Mejor actor – Drama (Harrison) y guión, Premios David di Donatello: Mejor producción extranjera
SHAKESPEARE APASIONADO: (1998 – Estados Unidos):
Un retrato de época, un nuevo y pintoresco debate acerca de la sexualidad de William Shakespeare, portavoz de las máximas renacentistas de la exaltación de la belleza, la realización del ser y la revolución de las letras en el imperio del arte. El elenco cuenta con actores de gran trayectoria, lo que hace insoslayable el hecho de que el guión se sostenga pasionalmente las casi más de dos horas de su duración. Fiennes en el papel de Shakespeare enamora, aunque hay sido brutalmente ignorado por la Academia y se lucen Paltrow, Rush, Dench, Everett, Flirth; entre otros grandes actores que colaboran en esta superproducción.
Premios: 1998: 7 Oscars, incluyendo mejor película, actriz, actriz secundaria, guión. 13 nominaciones, 1998: 3 Globos de Oro: Mejor película Comedia o Musical, guión, actriz. 6 nominaciones, 1998: 3 premios BAFTA: Mejor película, montaje y actriz sec. (Dench). 15 nominaciones, 1998: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor guión
1998: 2 Critics’ Choice Awards: Mejor guión original y actor revelación (Fiennes)
1999: Festival de Berlín: Oso de Plata – Contribución individual (Norman, Stoppard)
UN HOMBRE PARA LA ETERNIDAD: “A man for all seasons” (1966) – Reino Unido:
A man for all seasons
Este filme se destaca además de las actuaciones por la fotografía, que, teniendo en cuenta los avances de la tecnología desde la época hasta la actualidad no ha perdido vigencia. “A man for all seasons” retrata a un Tomás Moro acongojado por la presión que Enrique VIII está ejerciendo para obtener el divorcio con Catalina de Aragòn y poder casarse con Ana Bolena. Con muy buenas actuaciones, la cinta nos proporciona una fotografía exacta del tiempo en que la Iglesia veía temblar algunos de sus preceptos más arraigados en tiempos donde el Protestantismo a la vanguardia ocupaba la primera plana.
Premios: 1966: 6 Oscars: Película, director, actor (Scofield), guión adap., fotografía, vestuario, 1966: 4 Globos de Oro, incluyendo Mejor película drama. 5 nominaciones,1966: Premios BAFTA: Mejor película, 1966: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película, director, guión y actor (Scofield), 1966: National Board of Review: Mejor película
BOCACCIO  ’70 (1962) – Italia
“Bocaccio `70” es un lujo del que ningún cinéfilo debería privarse. Retomando el concepto del Decamerón de Bocaccio (conjunto de relatos y cuentos del autor finalizados en 1351 aproximadamente), esta cinta toma cuatro cuentos del autor y les da vida con la belleza de Anita Ekberg y Sophia Loren que despampanantes, dan vida a estas historias, que tienen ese dejo de Fellini del cachetazo a la italiana y de gritos de platos rotos, las reminiscencias que siempre nos lega De Sica, y la visión costumbrista de Visconti y Monicelli que jamás se quedarán atrás .
En “Renzo y Luciana”, Monicelli narra la historia de un hombre y una mujer que se ven obligados a casarse en secreto para no perder su trabajo. En “Le tentazioni del dottor Antonio”, dirigida por Fellini, un hombre se siente muy escandalizado por un cartel publicitario. En “Il lavoro” Visconti cuenta la historia de un conde involucrado en un escándalo. De Sica relata una historia ambientada en Nápoles: “La riffa”.
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Abre Buenos Aires



“(…) Siempre he sentido que hay algo en Buenos Aires que me gusta. Me gusta tanto que no me gusta que les guste a otras personas. Es un amor así, celoso. Cuando yo he estado fuera del país, por ejemplo en los Estados Unidos, y alguien dijo de visitar América del Sur, le he incitado a conocer Colombia, por ejemplo, o le recomiendo Montevideo. Buenos Aires, no. Es una ciudad demasiado gris, demasiado grande, triste les digo, pero eso lo hago porque me parece que los otros no tienen derecho de que les guste (…)”


Fragmentos extraídos del libro “Borges, sus días y su tiempo” de María E. Vázquez. Javier Vergara, Editor, 1984


Cuando era chica amaba viajar mirando por la ventanilla del colectivo la parte de arriba del camino, como si por algún truco de magia con una tijera imaginaria lo pudiera cortar a la mitad. Me quedaba entonces contemplando durante todo el trayecto los edificios  que parecían abrazarse a  las nubes, los balcones floridos, las ventanas entreabiertas,  bicicletas que pendían de hilos, carteles que el viento despegaba; intentando musicalizarlo con los llamadores de ángeles que la brisa suele interpretar.
Galería Güemes
Todo empezó cuando era muy pequeña, y como si estuviera ahora sentada en un diván, debo reconocer que la culpa es de mis padres. Por esos misterios de la vida, y debutando en su rol, creyeron que para esta niña molesta que no dormía nunca de noche no habría solución más efectiva, que la de salir a pasear. Me pasé entonces algún tiempo largo sin dormir, como la insomne de un Seattle más acá, disfrutando el anochecer de días agitados (para ellos), mientras más despierta que nunca contemplaba la noche porteña en todo su esplendor con la cabecita apuntando a ese gigante que se me hacía el mundo.


Palacio Barolo
Dicen que dicen, y hay un largo debate detrás de ello; que la capacidad de recordar: aquella de procesar la información a través del lenguaje,  se adquiere aproximadamente a los 3 años de edad. Hay otros que reaccionarios sostienen, que los primeros recuerdos los traemos incluso desde el útero, desde la semana número 6 de gestación.
Cualquiera sea la edad en que los recuerdos se comienzan a atesorar como lo hiciera un tal Funes después del síndrome de Diógenes, admito que desde muy pequeña me pierdo cuesta arriba adivinando como en un dibujo el punto límite donde los edificios parecen decir adiós; y, aunque algunas cosas hayan cambiado para mí, (como la de la necesidad de salir a pasear para dormirme); hay otras que se mantienen intactas. Aún me pierdo en la ciudad y muchas veces equivoco las coordenadas, porque conservo la mitad más linda y olvido la aburrida del rompecabezas; esa que le sirve a la mayoría de los mortales y que incluye aquello que denominan números, alturas, nombres de calles, y demás convenciones.
Como adivinándome, los carteles del “48H OPEN HOUSE BSAS” preguntan desafiantes: “¿Nunca sentiste curiosidad por entrar en la casa de otro?”.
El concepto de “Open House” se inició en el año 1992 en la ciudad de Londres. La idea de un festival de arquitectura, de un “fin de semana de puertas abiertas” recorrió Nueva York, Dublin, Tel Aviv, Jerusalem, Helsinsky, Melbourne, Galway, Barcelona, Slovenia, Brisbane, Chicago, Roma, Lisboa, Perth, Adelaide, Thessaloniki, Limerick, y desembarca ahora en la primera ciudad latinoamericana del programa.
Así, con más de 60 edificios que conforman parte del patrimonio público y que el resto del año permanecen a puertas cerradas, es una excelente oportunidad para descifrar la otra mitad de aquello que transitamos adivinando.
Barrio Parque Los Andes
Entre la oferta variopinta del circuito porteño, conviven el Modernismo del Palacio Barolo (1923, primer rascacielos porteño inspirado en la Divina Comedia dantesca) y de la ex Cervecería Munich (hoy Dirección de Museos de la Ciudad y sede del Museo del Humor) en la Costanera Sur; con edificios que enarbolan la bohemia de un Buenos Aires que otrora emulara el estilo francés; como el Edificio Bencich (1927) situado en Diagonal Norte, que cuenta por su posición estratégica y por dos cúpulas conectadas por una terraza, con una de las visiones más privilegiadas de la ciudad. También es posible camuflarse entre el anecdotario porteño y acceder  por ejemplo a la Galería y Mirador Güemes (diseñada por el mismo arquitecto italiano que diseñara “El Molino”: Francisco Gianotti), ejemplo de los escaparates porteños del Art Nouveau, escenario de la leyenda de “la nena fantasma” musitada por Borges y adjudicada a  Saint-Exupéry.
Las opciones tradicionales del Open ofrecen entre otras, a la Biblioteca Nacional (1962), la Legislatura Porteña (1926) y el Colegio Nacional Buenos Aires (1908) que continúa en la línea del sueño parisino que despertó en la Manzana de Las Luces. Vanguardistas se emplazan los edificios de “Cement gardens” (2008) con sus jardines verticales diseñados en metal, “Dos casas Conde” (2012) y el “Taller de Rosa Skific” (2007) al abrigo de la ciudad como muestras de las nuevas formas de hacer arquitectura; porque entre los objetivos de CoHabitar Urbano, Organización sin fines de lucro que organiza el evento, se destaca como principal, el de ampliar la mirada y las perspectivas de quienes transitamos la ciudad cotidianamente; en un intento por reivindicar el vínculo que tenemos con el medio en el que vivimos.
La propuesta, como si fuera poco, incluye la posibilidad de hacer los tours en bicicleta en recorridos especialmente diseñados para disfrutar una visión particular: desde el Kavanagh al Teatro Colón, y el Parque Los Andes entre otros 3 tours posibles; y el“Open Foto” y “Open Muro”: dos alternativas para acercarse a la ciudad desde la fotografía y el arte urbano que descansa en las paredes de la comunidad.
En la ciudad de Buenos Aires, Open House nos invita entonces a redescubrir cada rincón, desde el más cotidiano hasta aquel más recóndito que admiramos desde lo bajo alguna vez, desde la ventanilla de un  colectivo quizá.
INFO: 
Web Open House Buenos Aires/ www.48hopenhousebuenosaires.org (Todo sobre la 2da edición del Open House Ba 2014).
Twitter/ @openhousebsas
Mail/ info@48hopenhousebuenosaires.org

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martes, 25 de marzo de 2014

No lo hagas sin Swing

Al grito de ¡Amada Mía! todos corean ¡estoy enamorado! Zapatos se deslizan rápido por el piso de madera, vuelan polleras y los chicos con tiradores que enamoran abundan en la pista. La luz es tenue e invita al romance, pero sólo hay tiempo para piruetas.
Ni Ginger Rogers ni Oscar Alemán están entre nosotros. No estoy en los 30´ danzando en la Gran Manzana. Es un sábado color sepia en una Buenos Aires que pareciera haberse detenido en el tiempo como en uno de esos musicales que hacen que uno quiera lucirse en la pista, como cuando visita el circo y cae en la tentación del trapecio.
La cita es en la Asociación Nacional Italiana (conocida como “La Nacional”) en el barrio de Monserrat, donde una vez cada quince días se rinde culto a la cultura del swing. La noche empieza con clases dictadas por dos profesores que, atentos a quienes nos sumergimos en el ritmo por primera vez, nos enseñan pasos iniciales. De todas formas y màs allà del estilo y la tècnica, lo màs importante en la reuniòn pareciera ser el conectarse con el otro, disfrutar de la mùsica y divertirse. No hay gestos de desaprobaciòn, ni caras largas, no son clases regulares. Todos lucimos la sonrisa que nos produce el bailar, primero es un 3.2.3, después un 3.1.1.3 y, aunque al principio y como armando la defensa de Boca no paramos de contar pasos, la música y las figuras nos envician hasta alcanzar el ritmo deseado. Agregue a esto una pizca de la historia de las raìces del baile, ilustradas con videos que los organizadores atesoran y aseguran inéditos. Cada movimiento tiene su historia, su evolución, su desarrollo y un personaje de la historia que lo inmortalizó. Se homenajea entonces en cada ocasión a un músico o bailarín del estilo. La clase de este sábado aprendemos pasos de Dean Collins y Jewel McGowan, dos bailarines de “Lindy Hop”, un estilo dentro del swing que debe su nombre al famoso vuelo de Charles Lindbergh a través del Océano Atlántico.
Lindy sería el diminutivo de Lindbergh y hop (salto, en Inglés), haría referencia al “salto” de una costa a otra del Océano.
Con la aparición en escena de “La Orquesta Inestable” un septeto de swing a la vieja usanza que anacrónico se convertirá en nuestra banda sonora el resto de la velada; estamos listos para probar lo aprendido. Aquí no está el cabeceo de la milonga, las chicas esperamos sentadas, a que nos toque en suerte uno que para variar entre tanto Gene Kelly nos deje estar a la altura de las circunstancias y tomar confianza en nuestros pies que marcan el 3.2.3 desde que suena el primer acorde.
La música ya nos está envolviendo y suenan en el universo inestable desde Glenn Miller, hasta un cover de The Beatles; es posible emocionarse con “When I`m Sixty four” mientras nos transporta el vaivén en los brazos de quien se preste a ser galàn por un rato.
Lo mejor de la noche, mientras Django Reinhardt resucita con la orquesta en esta Buenos Aires devenida en París, es la jam. Con todos los bailarines en ronda, las estrellas de la noche pasan en pareja a hacer las piruetas que vimos en las pelìculas y creìamos antes imposibles. Las chicas se lucen tanto por sus vestiditos a lunares y piernas voladoras como por el chárleston que consiguen intercalar: improvisan coreografías y nacen pasos propios que se acercan a los de la leyenda.
Está terminando la noche y me temo volveré pronto al presente. Pero cuando me dispongo a resurgir en tristes colores, me llegan noticias: tenemos más oportunidades en gris. El swing llegó para quedarse, y son muchos los espacios para hacerle un lugar.



Ciclo “Hèroes del Swing”: dos sábados al mes en la “Asociación Nacional Italiana” -Adolfo Alsina 1465. https://www.facebook.com/Swingfields

La nota puede leerse en: http://cracnotas.com.ar/no-lo-hagas-sin-swing/



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sábado, 24 de agosto de 2013

El innombrable - Entrevista a Darío Sztajnszrajber

Darío bromea desde la cortina del programa con la dificultad que todos tienen a la hora de pronunciar su apellido. 

Estamos en “Radio Madre” (am 850: “La primera de la izquierda”), y mientras está por empezar “El innombrable” (martes de 12 a 13 hs), me convierto en su entrevistada. 
Hablamos un rato, y tal vez sea por la mezcla del calor que hace en el estudio y mi admiración algo indisimulable, pero a pesar de ser el entrevistado, la realidad es que ya sabe bastante más de mí que lo que yo pude conocer acerca de él. Porque Darío es ése que cuestiona: es aquel filósofo que desde los interrogantes planteados nos enseña a ejercitarnos en la pregunta por el hecho de ser libres al hacerlo, nos invita a develar lo que en apariencia nos parece obvio, a interpelar lo cotidiano y a, desde todos los márgenes posibles de lo que diariamente nos acontece, preguntarnos el “¿por qué”?, del “¿por qué”?, del “¿por qué”? para imaginar realidades distintas. Y el ¿por qué?, o el interrogante que nos convoca en este programa es el de si ¿“el fin justifica los medios”? 

La hora de programa completa es un paseo por los andariveles del ser, donde conviven cuestiones tan profundas y arraigadas al espíritu como “la felicidad” comprendida desde la teoría universalista aristotélica del punto medio, el amor como circunstancia deseable y finita, los vicios como extremos enemigos de la virtud, y la política desde la visión única de Levinas; con el “bilardismo” como postura ante la vida cotidiana, el sexo como placer recurrente y hasta el flan de las abuelas como el fetiche de algunos. 
La propuesta es simple y tentadora; por lo que la pregunta dispara respuestas dispares entre los oyentes que reflexionan; desde el humor algunos, como el caso de aquel para quien comer queso rallado con la cabeza escondida dentro de la heladera para que la novia no lo descubriese se constituye en un ejemplo de que el fin sí justifica los medios, y desde la experiencia de la historia de la misma humanidad otros, cuando se remiten a ejemplos como la Segunda Guerra Mundial, las bombas atómicas, el nazismo, y tristes páginas de la novela de un mundo que pareciera decirnos que el fin no siempre los justifica. 
Marx nos dice, en la tesis 11 sobre Feuerbach, que “los filósofos no han hecho más que interpretar al mundo de diversos modos, pero que de lo que se trata, es de transformarlo” y ese filósofo de apellido difícil, ese “innombrable”, nos llama a repensar las verdades supuestas para imaginar lo que nunca hubiésemos creído posible, en un intento por acompañarnos en la búsqueda del sentido de la vida no como un medio, sino como un fin en sí mismo. 
Así, desde la radio, desde “Mentira, La Verdad”,2 desde “Versus”3, desde “Desencajados”4, en el “Proyecto del Cultural Colectivo judío YOK”5 , en “El amor al cine”6 y en el espacio que encuentre donde se abra paso y pueda hacerse un lugar; Darío nos enseña como Nietzsche nos legara, a “filosofar a martillazos”: a romper lo que se nos impone como establecido, a desenmascarar lo que pareciera ser evidente y abrirnos paso para alcanzar una existencia plena.


1 Darío es filósofo, profesor en todos los niveles educativos, ensayista, conductor de radio y presentador de televisión. 

2 “Mentira la Verdad” es un programa de Canal Encuentro que ha ganado un premio en la 46ta. Edición del “Japan Prize”, que destaca a programas educativos de TV de todo el mundo y que por primera vez distingue a una producción argentina.

Para saber cuándo emiten el programa: 


Las temporadas viejas se pueden ver en youtube.

3 “Versus: la batalla del conocimiento” es una obra protagonizada por Darío y Diego Golombek, ver agenda en Tecnópolis: 


4 “Desencajados” es una obra en la que la filosofía desencaja hasta fundirse con mitos del rock nacional :


5 El Proyecto Cultural YOK es una iniciativa para aportar una "mirada judía" a la vida cultural de la ciudad comenzó el Proyecto Cultural YOK, que está a cargo de un equipo multidisciplinario y apunta a integrar a las personas de identidades múltiples a través de actividades culturales, artísticas y sociales. Para conocer las actividades

6 “El amor al cine” es un ciclo de cine que nos invita a ver distintas miradas filosóficas acerca del amor: aquí el detalle de las emisiones y horarios; 


 Entrevista para CRAC! Magazine a Darío Sztajnszrajber
Por Martina Kaniuka

CRAC: ¿Cómo nace tu interés por la filosofía? ¿Surgió como una utopía desde el deseo revolucionario de cambiar la realidad del mundo, o fue en la búsqueda reflexiva de las preguntas que te condujeran a entenderla para finalmente aceptar aquello que no se puede modificar? 
DS: Una mezcla de ambas. El interés se me formó mas como búsqueda introspectiva, pero claramente cuando hurgas en cualquier subjetividad encontrás al otro. Toda subjetividad se confirma, a mi entender, en el lazo con un otro con el que en general no comulgas. Entender que la introspección siempre es “política”, porque se hace con otro, me fue llevando a una filosofía más de corte utópico…

CRAC: ¿Se construye la filosofía en función a una otredad, o hay una necesidad existencial de partir de uno mismo para comprender la propia existencia? 
DS: Todo se construye en función de una otredad. Las necesidades existenciales también. Incluso hasta podríamos pensarnos a nosotros mismos escindidos como mínimo en dos: el que piensa y el que piensa que piensa…

CRAC: Has sostenido que, desde la filosofía abocada a la cotidianeidad, se puede “recuperar a la ciudad, como espacio, como ámbito de intercambio y constituir a los medios de comunicación en el Ágora que lo posibilite”. ¿Cómo pensás puede influir la aplicación de la “Ley de Medios” en esa constitución?
DS: Se supone que exaltaría fuertemente la posibilidad de la diversidad ya no como utopía sino como fundamento a partir del cual pensar cualquier política comunicacional. La diversidad no puede ser un deseo a cumplir, sino la base a partir de la cual comenzar a pensar cualquier transformación de lo real… 

CRAC:¿Cómo vivís la experiencia del maridaje dado entre la filosofía y la música en el espectáculo de “Desencajados” y la del ensamble que hacés entre la filosofía y el tema inagotable del amor y el séptimo arte en: “El amor al cine”? Parecieran ser ámbitos distintos, parafraseándote: “desencajados”; ¿las respuestas a qué preguntas puede ofrecernos el fruto de esa unión inconexa que finalmente pareciera acomodarse?
DS: Hasta ahora todo el sentido lo hemos buscado siempre en totalidades cerradas: géneros, identidades, verdades. Como si hubiera algo en estado puro en el mundo. Sin embargo desde el arte y desde la filosofía (otro arte), se viene insistiendo en la necesidad de mixturas, contaminaciones, rizomas. Hacer conversar a la filosofía con la música o con el cine es hacer salir a la filosofía de sus propios enclaustramiento para recuperarla. 


CRAC:¿Existe en el intento de la reivindicación del Judaísmo desde los valores seculares un intento por no evadir el ateísmo que impera en la filosofía, es decir el planteo de una alternativa para la difusión de la cultura y la filosofía judía desterrándola del dominio religioso? 
DS: No creo en el ateísmo. No puedo aceptar ninguna posición taxativa en relación a las creencias. Prefiero reivindicar el verbo “creer” como hace Vattimo en su sentido débil, en su agnosticismo. La secularización de la religión no la destruye, sino que la reencamina, la resignifica, que es además lo que siempre ha hecho la religión. En el judaísmo el tema es más complejo porque desde la Modernidad se viene jugando esta cuestión identitaria entre un judaísmo normativo y otro secular más abierto…

CRAC: Alguna vez Aurora Venturini sostuvo en una entrevista que diera a la Revista Sudestada que “la cultura aburguesa” ¿Desde tu labor como filósofo y docente crees también que es posible que el acceso a la educación más allá de las condiciones materiales de existencia posibiliten una real movilidad en la escala social? 
DS: La educación es de las instituciones que manifiestan todo el tiempo el carácter paradojal de nuestra existencia: como institución ordena una vida que desborda. Creo en el trabajo de los márgenes, de las fisuras que se encuentran en las instituciones y entiendo que el aburguesamiento es el problema… 

CRAC: ¿Por último y, para los lectores de CRAC!, ¿si tuvieses que recomendar 3 libros de filosofía, cuáles serían? 
DS: “La gaya ciencia” de Nietzsche; “El animal que estoy si(gui)endo” de Derrida; “La gravedad y la gracia” de Simone Weil.


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domingo, 11 de agosto de 2013

Las cintas abiertas de América Latina

La siguiente nota, es fruto del aburrimiento de la tarde de un día en el que, con un amigo, nos recomendábamos películas para matar el tiempo. Queríamos encontrar la manera de que nuestros momentos de ocio, como si en un círculo buscásemos hacer eterno el lema capitalista, fuesen productivos. 
Surgieron entonces, una decena de nombres, todos gringos ellos, con luces de neón, tráilers sugerentes, y repartos rebosantes de las figuritas difíciles que en Hollywood por milagro parecen multiplicarse. Le siguieron apellidos europeos de difícil pronunciación, con temáticas profundísimas que bordeaban lo filosófico, rayaban lo onírico y atropellaban la ecuación tiempo/espacio desplegando sus argumentos en fotografías que nacían y morían a las dos horas de existencia; y cuando nuestro intercambio comenzaba a asemejarse al intento desesperado de un hypster por llamar la atención en la puerta del Bafici; una pregunta nos vino a la mente: la pregunta por el Cine Latinoamericano. 

El Cine Latinoamericano permanece dormido; como si el intento de consolidarnos como la periferia del mundo; hubiese sido trasladado a la gran pantalla y a todo color. Sin embargo, hay muchos ejemplos que parecen indicar que, por su fotografía, por la intensidad y la calidez de su narrativa; y por la sencillez (casi minimalista en algunos casos) de sus historias; el cine independiente y de autor latinoamericano aterrizó en los senderos del séptimo arte para ser de una vez la revelación de un mundo que no lo dejaba ser protagonista. 

Influenciado en sus inicios por el cine latino (los efluvios de Italia, Francia y España y el peso de la época de la Conquista), ensombrecido a posteriori por el gigante de Hollywood; recién en la década del 60´ parece encontrar; tal vez como respuesta a ese grito errante de las venas abiertas tanto tiempo adolecido, la forma de transmitir en las cintas la identidad nacional, aquello que los distingue y los resignifica, empuñando cada historia como un arma política, social e histórica; en un intento por no olvidar.
Brasil, Argentina y México son los países con mayor producción cinematográfica en la actualidad latinoamericana registrando un 89% de la producción total; y gravitando detrás, producciones colombianas, chilenas, uruguayas, peruanas y paraguayas, sin desperdicio acatan el “tomo y obligo” de las historias que se dejan contar. Las siguientes son algunas de esas visiones particulares, miradas distintas, historias mínimas con placeres máximos que merecen un lugar destacado en la marquesina de nuestro tiempo libre:


“7 CAJAS” (2012) – Paraguay 

(Dirección: Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori, Protagonistas: Celso Franco

Lali González)



Víctor es carretillero y su sueño es salir en televisión. La tv es fama, es dinero, son mujeres; y para ser exitoso hay que salir en ella, entonces se decide a comprar un celular con cámara, así se podrá filmar. Necesita dinero, en el mercado en el que trabaja la competencia es mucha, y recibe una oferta inusual que no puede dadas sus circunstancias rechazar. Le piden transporte 7 cajas cuyo contenido desconoce. 7 cajas que harán de Víctor un chico tranquilo que busca alcanzar la ficción que lo constituya en realidad, un blanco perseguido por la policía, la mafia, competidores, oportunistas, en una persecución hilarante, por momentos estresante en los que lo que se juega es su sueño. 
Premios: Ganadora del Festival Internacional de Cine de San Sebastián en España, donde ganó el premio "Cine en Construcción" la película fue nominada también en la XXVII edición de los Premios Goya en la categoría de Mejor película extranjera de habla hispana.




“OCTUBRE” (2010) – Perú

(Dirección: Daniel y Diego Vega. Protagonistas: Bruno Odar, Gabriela Velásquez, Carlos Gassols, Víctor Prada, María Carvajal, Sofía Palacios y Sheryl Sánchez)


Clemente es un prestamista al que “el mundo le es ancho y ajeno”. Apático, cerrado y con un universo interior inmenso, solo comparable al nivel de su avaricia, cultiva la soledad y la exaltación a la rutina; en la que incluye visitas íntimas con prostitutas. De una de esas visitas y, coincidiendo con la celebración del Señor de los Milagros, un bebé hijo suyo a quien no reconoce llega para cambiarle sus días. 

Premios: Mejor Actor en el Festival de Rusia, el premio especial en Ucrania y mejor cinta del festival, Premio del Jurado de la sección oficial “Una Cierta Mirada” del 63º Festival de Cine de Cannes en donde venció a proyectos de dos reconocidos directores: Jean-Luc Godard y Manoel De Oliveira.




“LA VIDA DE LOS PECES” (2010) - Chile 

(Dirección: Matías Bize. Protagonistas: Blanca Lewin, Santiago Cabrera, Víctor Montero).

Andrés regresa a Chile después de 10 años en la búsqueda de una especie de indemnización que la devuelva los recuerdos que siente destruidos. Vive, con la admiración de sus amigos, una vida de turista pero al ver los hijos que no tiene, la familia que no construyó la sensación de que ha visto todo sin ver nada lo sumerge en una cavilación romántica sin retorno. 

Premios: Goya (2010) - Mejor película extranjera de habla hispana, Festival de Cine Iberoamericano de Huelva (2010): Colón de Plata al Mejor guion, Premio Luis Buñuel - Premio a la mejor producción iberoamericana de 2010, Premio Altazor (2011) al Mejor director, Mejor actriz, Mejor actor, Mejor guión, Premio Pedro Sienna (2011): al Mejor guión, Festival Iberoamericano de Cine de Santa Cruz (2011): Mejor Película, Rapa Nui Fest (2011): al Mejor director, Festival Cinematográfico de Festroia (2011): al Mejor Guion


Festival de Cine de Punta del Este (2011): a la Mejor película de ficción, Los Ángeles Latino Internacional Film Festival (2011): al Mejor director




 “EL BAÑO DEL PAPA” - (2007) Uruguay

(Dirección: César Charlone y Enrique Fernández. Protagonistas: César Troncoso, Virginia Méndez y Mario Silva)

Beto es un bagallero del la ciudad de Melo en Uruguay, cerca de la frontera con Brasil. Es el año 1988 y el papa Juan Pablo II se dice llegará al pueblo con sus bendiciones. Melo entonces ve la posibilidad de desarrollarse económicamente con la llegada de los turistas que traerá su visita y Beto se las ingenia para ofrecer los servicios de baño público a los visitantes, idea que le trae grandes dificultades financieros; siendo esta historia, testigo de las peripecias de Beto en su afán de progesar. 

Premios: Premio del jurado en la Muestra de Cine de São Paulo de 2007, Premio Horizontes Latinos en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2007, Presentación en el Festival de Cannes 2007 en la sección “Un certain regard”, Premio al mejor guion en el 33 Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, España, Premio Glauber Rocha 29 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Mejor Opera Prima Festival de Cine de Guadalajara, México, 2008, Mejor Actor I Festival Internacional San Luis de Cine, Argentina 2007, Kikito de Oro - Mejor Acto; Mejor Actriz; Mejor Guionista; Premio a la excelencia de lenguaje técnico; Largometraje Extranjero, Mejor Película - Jurado popular; Largometraje Extranjero, Premio Kikito de la Crítica del Festival de Gramado - Cinema Latino e Brasileiro 2007, Premio «Semilla» a Largometraje Latinoamericano 5 Festival Iberoamericano de Cine de Quito - Cero Latitud 2007


Además de las distinciones recibidas, la película fue enviada como candidata al Premio Óscar a la mejor película extranjera.




“LOS COLORES DE LA MONTAÑA” (2010) – Colombia/Panamá


(Dirección: Carlos César Arbeláez Protagonistas: Hernán Mauricio Ocampo (Manuel), Carmen Torres, Luis Nolberto Sánchez (Julián), Genaro Aristizábal, Hernán Méndez, Natalia Cuellar)


Manuel, y sus dos amigos Poca Luz y Julián, emprenden una aventura peligrosa cuando la pelota de fútbol nueva que le obsequia su padre cae en un campo minado. Esta osadía de niños desata en el pueblo de “La Pradera” que los ve crecer un conflicto armado en un pueblo pacífico.

Premios: Taiga de Plata (Siberia Prize «Silver Taiga» for the debut film), Festival Internacional de Cine Debutante Spirit of Fire, Rusia, 2011, Premio Kutxa, Nuevos Directores, 58º Festival Internacional de Cine de San Sebastián, España, 2010, Premio del Público y Mención Especial del Jurado, Festival Internacional de Ronda "Cine político para el siglo XXI", España, 2010, Premio Cine en Construcción 17, 22º Rencontres Cinémas D’amérique Latine de Toulouse, Francia, 2010, Estímulo para coproducción del Programa


Ibermedia, 2009.



Publicada en CRAC! Magazine: http://cracnotas.com.ar/las-cintas-abiertas-de-america-latina/
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domingo, 4 de agosto de 2013

Diane en el país de las maravillas




Diane Nemerov es hija del tiempo en que la sociedad americana perseguía el sueño de un mundo donde todo era posible con esfuerzo y determinación. Una sociedad en la que el éxito era una carrera en la que, mientras millones participaban, solo algunos pocos afortunados que habían nacido tocados con la varita mágica llegaban a disfrutar de los primeros puestos.

Hija de una familia de clase acomodada de Nueva York; imaginaba al abrigo de los universos posibles reflejados en los espejos de Lewis Carrol, cómo se transformaba en una Alicia en un país de maravilla que traspasaba los límites de la Quinta Avenida. Imaginaba cómo en la lucha por romper con lo establecido, se volvía libre y descubría el misterio de lo real, oculto en los márgenes de lo permisible y lo bello.

Intenta en una primera instancia, obedecer los mandatos sociales, como si estuviese probando su capacidad de resistir. Se casa entonces a los 18 años con Allan Arbus; de quien hereda el apellido; y con quien en un primer tiempo; fotografía modelos y famosos que responden a los patrones de belleza reinantes en Vogue y Harper`s Bazaar. Pero Diane necesitaba ser. Encontraba en los esquemas de luces y sombras, de lo estéticamente permitido y de lo políticamente correcto, una limitación para ese espíritu arrebatado que intentaba contener detrás del foco. En esos universos paralelos de Alicia, tras los espejos, debiera reflejarse algo más.
Después de divorciarse de Alan; en la búsqueda por develar el absurdo de una sociedad que escapa a sus dioses y monstruos reemplazándolos con ídolos de proporciones perfectas; toma clases con Lissete Model, una fotógrafa de culto austriaca cuya preocupación preponderante era que sus discípulos pudiesen "Atreverse a ver, ser conscientes de lo que existe y de cómo existe". Así, con el leit motiv que la empuja a querer develar lo siempre aparente; Diane completa en la búsqueda del mensaje que desea trasmitir en una especie lucha contra el sueño americano; con asombro, temor y vergüenza, un camino de ida hacia el mundo de quienes consideraría “los aristócratas” en la sociedad de lo absurdo.
Maravillada después de ver “Freaks” la película (“La parada de los monstruos”) de Tod Browning, 1932, Diane encontró ese otro mundo que su interior necesitaba; un mundo donde lo real no son sonrisas perfectas y caras bonitas; sino un mundo donde lo real necesita mostrarse en primer plano; porque está escondido. Los inadaptados, los excluidos, los marginales, los distintos son retratados desde su visión, en el afán de construir una especie de Gestalt en la que va desde los detalles mínimos y visiblemente aborrecibles para un tiempo en el que lo que sobra es lo que gusta a la vista, a lo general de una sociedad que confusa esconde sus secretos. “La fotografía – dice- es un secreto que habla de un secreto. Cuanto más te dice, menos te enteras “.
Las fotografías de Diane Arbus tienen un elemento esencial: derrochan sinceridad, en cada toma un golpe nos asesta mil bocados de realidad. Retrata sus monstruos como son: los admira y los fotografía sin atender a las convenciones sociales; en primera persona, en un primer plano que pareciera incitar a evadir la alienación, es una invitación a la rebelión de lo que en apariencia es bello y por ende correcto.
“La mayoría de la gente se pasa su vida temiendo pasar por una experiencia traumática. Los Freaks nacieron con sus traumas. Ellos ya han pasado su prueba. Son aristócratas.” Se dedica a retratar a la población marginal norteamericana; en un intento por demostrarnos que, todos nosotros somos monstruos, y que la realidad vista de cerca no es lo que parece ser.
Toma fotos a travestis, lisiados, minusválidos,homeless, nudistas, enfermos mentales; y personas a las que más allá de que la vida injustamente pareciera no haberlos beneficiado; se mantienen felices en una relación casi inconsciente de su dolor o fealdad.
Los personajes de Diane en el país de sus maravillas son reales; no son construcciones del tiempo en el que nacieron; son el producto de la historia dolorosa que en un grito ahogado y resurgente los constituye, los interpela, y los hace ser dioses en un mundo donde lo normal parecía ser el reinado de lo monstruoso.

Para conocer su obra
http://diane-arbus-photography.com/
Pueden ver también la excelente pelìcula de Steven Shainberg "Fur, an imaginary portrait of Diane Arbus" con Nicole Kidman y Robert Downey Jr http://www.imdb.com/title/tt0422295/
TRAILER
http://www.youtube.com/watch?v=OLCn9ka2T5I


Publicada en Revista Clarimonda: http://clarimonda.mx/edicion-33-especial-9-aniversario/
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